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#전시설명

알렉스 카츠는 벌입니다. 그는 붓과 기름진 꽃가루로 우리의 상상 속 꽃을 비옥하게 합니다. 그는 벌처럼 존재하지 않던 것을 존재로 만들어 냅니다. 벌처럼 그는 꽃에서 꽃으로, 꽃잎에서 꽃잎으로, 수술에서 수술로 이동합니다. 본능의 지시를 따르며 꾸준히 일합니다. 알렉스 카츠는 동굴 화가입니다. 우리 시대의 동굴 화가이자, 간절히 기도하건대 아직 오지 않은 시대의 동굴 화가입니다. 아직 오지 않은 눈을 위해. 4만 년 후, 꽃은 더 이상 존재하지 않지만 이 그림은 존재한다면, 이 그림은 작가가 없을 것입니다. 경외심에 찬 눈빛으로 이 그림들을 바라보는 이들은 오직 한 인간이 그렸다는 사실만 확신할 것입니다. 그리고 그것이 중요한 전부입니다. 

알렉스 카츠(1927년생, 뉴욕 브루클린)는 현대를 대표하는 화가입니다. 상징적인 초상화와 장엄한 풍경화로 유명한 카츠는 여러 세대의 화가들에게 영감을 주었습니다. 카츠의 작품은 그의 광범위한 커리어 동안 수많은 회고전과 개인전의 주제가 되었습니다. 

Alex Katz is a bee. With his brush and oily pollen, he fertilizes the flowers in our imagination. Like a bee he has conjured into existence what was not here. Like a bee he moves from bloom to bloom, petal to petal, stamen to stamen. Steadily working, fulfilling the directives of his instinct. Alex Katz is a cave painter. The cave painter of our times and, we desperately pray, of the times yet to come. For eyes yet to come. If, in forty thousand years, when perhaps flowers no longer exist but these paintings do, they will have no author. Those whose longing eyes pass over them with awe will be certain only that they were made by a fellow human. And that is all that matters. 

Alex Katz (b. 1927, Brooklyn, NY) is the preeminent painter of modern life. Acclaimed for his iconic portraits and epic landscapes, Katz has inspired generations of painters. Katz's work has been the subject of numerous retrospectives and solo presentations over the course of his expansive career. 

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#전시설명

페이스갤러리(서울)은 나라 요시토모의 작품 전시회를 서울에 있는 예술단지에서 열게 되어 기쁩니다. 9월 5일부터 10월 21일까지 열리는 이 전시회는 2005년 이후로 나라 요시토모의 첫 단독 전시회입니다. 서울에서 열리는 이번 전시회에서 나라는 자신의 아이디어, 느낌, 창조적 충동뿐만 아니라 환경의 본질을 포착하는 설치물의 일환으로 개인 소장품 중에서 선별된 물품과 함께 140여점의 도자기와 30여점의 드로잉을 종이와 판지에 선보일 예정입니다.
나라는 단색을 배경으로 한 아이 같은 등장인물들의 감정적으로 공명하고 양식화된 이미지로 국제적으로 알려지게 된 1990년대 후반에 두각을 나타냈습니다. 정치, 펑크 록, 포크 음악, 1960년대 반문화, 어린 시절의 자신의 기억과 경험을 포함한 다양한 원천들로부터 영감을 이끌어내면서 나라는 상상력과 개인의 성찰적 자유를 기념하는 특징적인 스타일을 발전시켰습니다. 그의 작품에서 아이들은 반항적이고 저항적인 것부터 조용한 것, 사색적인 것, 외로운 것까지 다양한 심령 상태로 묘사됩니다. 그 예술가의 작업은 그림 뿐만 아니라 드로잉, 사진, 대규모 설치, 세라믹, 청동 및 섬유 강화 플라스틱 조각까지 포함합니다. 나라가 나라의 6개의 고대 가마 중 하나인 시가라키에 거주하고 있을 때, 그가 일에 복귀한 이후로 그는 3차원 형태를 만드는 새로운 방식에 관여할 수 있게 해준 매체인 점토로 실험하기 시작했습니다. 거주지의 협동적이고 공동체 지향적인 정신은 또한 나라의 도자기 초기 작업에 영향을 미쳤고, 그 안에는 손수 만든 조각뿐만 아니라 바퀴에서 생산되는 접시와 컵이 포함됩니다.
서울에서 페이스와 함께 할 나라의 전시는 그의 도자기의 표현주의적이고 물질적인 특징을 강조할 것입니다. 모양과 질감의 독특한 놀이뿐만 아니라, 손으로 그린 얼굴과 글귀는 작품에 감정적이고 심리적인 중요성을 더합니다. 나라가 시가라키에 거주하면서 지난 3년간 제작한 최근 작품들이 대부분인 이 전시는 수납장과 작가가 소유한 맞춤형 나무 테이블과 선반 위에 설치될 예정입니다. 이 도자기들은 활동적이지만 매우 친밀한 환경에서 그의 작품들과 대화의 장에 놓여져, 서로 다르지만 본질적으로 연결되어 있는 소재와 매체를 넘나드는 그의 표현 감성에 초점을 맞출 것입니다. 나라의 도자기와 그림, 그리고 개인 소장품의 물건들이 이 독특하게 설치된 것은 그의 창의력과 호기심, 그리고 학제적인 접근법을 반영할 것입니다. 전시된 작품들과 작품들 간의 활발한 교류는 그 공간이 풍부하여, 작가의 과정을 조명하고 방문객들에게 그의 사적인 세계로의 창을 제공할 것입니다.

Seoul–Pace is pleased to present an exhibition of work by Yoshitomo Nara at its arts complex in Seoul. On view from September 5 to October 21, the presentation, titled Ceramic Works and coinciding with Frieze Seoul, marks the artist’s first solo show in Korea since 2005. In his upcoming exhibition in Seoul, Nara will present some 140 ceramics and 30 drawings on paper and cardboard along with selected items from his personal collection as part of an installation that captures the essence of environment as well as his ideas, feelings, and creative impulses.

Nara rose to prominence in the late 1990s, when he became internationally known for his emotionally resonant, stylized images of child-like characters set against monochromatic backgrounds. Drawing inspiration from various sources including politics, punk rock, folk music, 1960s counterculture, and his own memories and experiences from childhood Nara developed a signature style that celebrates the introspective freedom of the imagination and the individual. The children in his works are depicted in a range of psychic states, from rebellious and resistant to quiet, contemplative, and lonely. The artist’s practice encompasses not only painting but also drawing, photography, large scale installation, and sculpturein ceramic, bronze, and fiber-reinforced plastic. It was during Nara’s 2007 residency in Shigaraki, Japan—home to one of the country’s six ancient kilns, where the artist has since returned to work—that he began experimenting with clay, a medium that allowed him to engage new modes of creating three-dimensional forms. The collaborative, communityoriented ethos of the residency also influenced Nara’s early work in ceramic, which included handmade sculptures as well as plates and cups produced on the wheel. Nara’s forthcoming presentation with Pace in Seoul will spotlight the expressionistic and material qualities of his ceramics.

In addition to idiosyncratic plays of shape and texture, hand-painted faces and written messages imbue the works with emotional and psychological import. The show—featuring mostly recent works that Nara produced in the past three years during an ongoing residency in Shigaraki—will be installed within cabinets and atop custom wooden tables and shelves owned by the artist. These ceramics will be situated in conversation with a selection of his drawings in an active, while deeply intimate environment, bringing into focus his sensibility of expression across different, yet inherently linked, materials and mediums. This unique installation of Nara’s ceramics and drawings, along with objects from his personal collection, will reflect his own creativity, curiosity, and interdisciplinary approach to making. Spirited exchanges among the works and items on view will abound the space, shedding light on the artist’s process and offering visitors a window into his private world. The artist’s exhibition in Seoul will coincide with his first institutional solo exhibition in Europe in a decade, on view at the Albertina Modern in Vienna through November 1. In October, during his presentation with Pace in the Korean capital, Nara will open a solo show at the Aomori Museum of Art in Japan.

PLACE

(04348) 서울 용산구 이태원로 267

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 그저 평범한 것은 없다

#전시설명

PKM 갤러리는 9월 6일부터 10월 14일까지 2024년 제60회 베니스 비엔날레 한국관 단독 작가로 선정된 구정아 작가의 개인전 «공중부양»을 개최한다. 구정아는 오감을 사로잡는 섬세한 작업으로 국제무대에서 두각을 드러내 왔다. 국내 네 번째 개인전인 이번 전시에서 그는 드로잉, 프린트, 포스터, 책 등 작품 세계 전반의 흐름을 보여주는 다양한 매체의 작업과 더불어, 새로운 ‹Seven Stars› 대형 페인팅, 부유하는 마그넷 조각 등 작품 20여 점을 갤러리 전관에 걸쳐 선보인다.

전시 «공중부양»에서 구정아는 느슨하면서도 긴밀하게, 비선형적으로 관계를 맺는 작업을 통해 우리가 발붙이고 있는 현실 너머 또 다른 가능성의 영토로 관람객을 초대한다. 전시는 1990년대 이후 구정아 작업에 반복 등장하며 무한히 확장하고 있는 모티프, ‘OUSSS’를 중심축으로 한다. ‘OUSSS’는 구정아가 창안한 불가사의한 우주인 동시에 단어이자 형태소이고, 물질이자 에너지다. 여기에 종종 등장하는 태아 모습의 생명체는 어둠 속을 유영하며 인간을 넘어선 몸짓으로 짓궂은 유머와 기묘한 감각을 전하고, 어디에나 있지만 없는 미스터리(MYSTERIOUSSS), 호기심(CURIOSSSA), 참 나(CHAMNAWANA; true me & I)의 영역으로 우리를 이끈다.

2022년, 구정아는 9년여간 제작한 ‘OUSSS’에 대한 3D 필름을 파리(Paris+ par Art Basel)에서 처음 선보였다. 이번 전시에서는 해당 필름의 스크립트가 된 드로잉 시리즈, ‹OBP›2015가 최초 공개된다. 익숙한 개념이 깨지고 팽창, 폭발, 방사되는 이 시리즈의 끝에 작가는 남의 마음이나 일의 기미를 재빨리 알아챈다는 제목의 신작 ‹SS Gakchal›2023을 배치했다. 이와 같은 언어유희는 그의 작업에서 자주 발견되는데, 예컨대 작가이자 철학가인 에두아르 글리상(Édouard Glissant, 1928-2011)과 협업 출판한 『FLAMMARIOUSSS』2006에서 구정아는 플라마리온 프랑스어 사전(Flammarion dictionary)에 ‘OUSSS’라는 단어를 슬쩍 추가하고 그만의 정의를 써 놓았다. 본 전시에는 그 한정판 책이 글리상을 기리는 포스터 작업과 함께 전시된다.

한편, 2020년 PKM 갤러리를 수놓았던 ‹Seven Stars› 시리즈는 본 개인전에서 한낮과 황혼의 그림으로 변화했다. ‘7개의 별’은 점성술, 연금술, 신비주의 등의 바탕이 되는 고대 행성(classical planets; 태양, 달, 수성, 금성, 화성, 목성, 토성)과 연관하는 것으로, 3년 전 발표된 시리즈가 낮에는 담백한 단색 평면이었다가 축적한 빛 에너지로 밤에 형상을 드러내는 회화였다면, 이번 신작은 보다 범우주적인 관점에서 공간(space)과 지구(world), 우주(universe)에 관해 이야기한다. 지구상의 인간은 산소 입자들을 통해 환한 색을 볼 수 있고, 식물은 빛에 반응해 싹을 틔우거나 꽃을 피우며, 중력은 직선으로 뻗는 빛을 곡률로 휘게 하는데, 이러한 지상의 경험은 지구 밖 행성들의 활동과 무관하지 않다는 것이다.

전시의 또 다른 축으로 소개되는 ‹Density› (2023)는 중력을 거스르는 입체 작업으로 시야를 압도한다. 2005-2006년 매일의 드로잉에서 출발하여 2019년 AR 작업으로 발전한 ‹Density›는 이번 전시에서 끌어당기고 밀어내는 자석의 속성과 결합해 부유하는 조각으로 재탄생했다. 이는 별관에 전시된 ‹NOMOS Alpha›(2016)의 드로잉 이미지와도 연결되는데, 이 연작에서 선잠에 들 때 어스름하게 떠오른 듯한 형상들은 아이의 그림처럼 단순하게 그려졌지만, 그 이면에는 흐릿한 사실과 허구, 심리적인 충동과 명랑함 등의 복잡미묘한 세계가 담겨 있다. 매체를 넘어선 구정아의 이번 작업들은 상호 작용하고 앙상블을 이루며 예측하지 못한 경험과 발견의 경이로움을 선사할 것이다.

Nothing is merely ordinary

PKM Gallery is delighted to announce the solo exhibition Levitation by Koo Jeong A from September 6th to October 14th. Koo has gained international recognition for her delicate creations that engage all five senses. This marks her fourth solo exhibition in Korea, where the artist will present a collection of 20 works. Among them are the new large-scale Seven Stars painting series, a floating magnet sculpture, and a comprehensive retrospective encompassing her diverse oeuvre, spanning mediums like drawing, printing, posters, and books.

In Levitation, Koo invites visitors to explore an alternate space beyond the reality we know, through works that establish loose yet intimate and nonlinear relationships. The exhibition revolves around the motif "OUSSS," which has recurred in Koo’s work since the 1990s and continues to expand. "OUSSS" is an enigmatic universe created by the artist – a word, a morpheme, a substance, and an energy all at once. The fetal creature often appearing in this cosmos traverses the darkness, conveying mischievous humor and strange sensations with gestures that surpass human-like qualities. It guides us into the realm of universal mystery (MYSTERIOUSSS), curiosity (CURIOSSSA), and true me & I (CHAMNAWANA).

The artist presented a 3D film about "OUSSS," a project she had been working on for nine years, at Paris+ par Art Basel in 2022. In this exhibition, OBP (2015), which served as a script for the film, is being showcased for the first time. At the end of the series, where familiar concepts are deconstructed, expanded, exploded, and released, a new work titled SS Gakchal (2023) emerges, signifying ‘quickly recognizing other people’s minds or signs of work’ in Korean. Such word play is a recurrent theme in her artistic practice, seen in instances like FLAMMARIOUSSS (2006), a collaborative publication with author and philosopher Édouard Glissant (1928-2011), focused on the Flammarion French dictionary. In this version, Koo rewrote the dictionary and simply added the word and the definition of "OUSSS". A limited-edition book is placed alongside a poster in honor of Glissant.

Meanwhile, the Seven Stars series, which illuminated the entire gallery space in 2020, has transformed into paintings of midday and twilight that are visible in daylight. "Seven Stars" relates to the classical planets (Moon, Mercury, Venus, The Sun, Mars, Jupiter, and Saturn) based on astrology, alchemy, and mysticism. While the series released three years ago featured paintings that revealed their figures only at night, utilizing the light energy accumulated during the day, the current works capture a manifestation of space, the world, and the universe from a broader perspective. On Earth, humans can perceive bright colors through oxygen particles; plants sprout or bloom in response to light; and gravity causes straightly radiating light to bend to curvature. The series represents how such occurrences on Earth are not irrelevant to the activities of the planets beyond.

Another prominent work in the show is Density (2023), captivating the audience with its three-dimensional structure that defies gravity. Originating as a daily drawing series between 2005 and 2006, and later evolving into an Augmented Reality artwork in 2019, Density has now been reborn as a floating sculpture, employing the properties of both attracting and repelling magnets. This concept is intricately linked to the NOMOS Alpha (2016) drawings displayed in the annex. While these images might appear reminiscent of sketches drawn during a brief nap, they constitute a complex realm of intertwining facts, fiction, psychological impulses, and whimsy. Koo’s diverse compositions interact and create an ensemble that evokes wonder through unexpected encounters and discoveries.

PLACE

(03049)서울특별시 종로구 삼청로7길 40

[출처]

핵심은 무엇이 물질적이며 무엇이 그 물질을 초월하는지를 질문하는 것이다. 결국 이것이 모든 작가가 하는 일 의 본질이자 미술의 주요한 방법론적 지향점이다.

#전시설명

국제갤러리는 8월 30일부터 10월 22일까지 아니쉬 카푸어(Anish Kapoor)의 개인전을 선보인다. 지난 2016년 이 후 7년 만에 열리는 이번 전시는 국제갤러리에서의 네 번째 개인전으로, 서울 K1, K2, K3 전 공간에 걸쳐 조각, 페 인팅, 드로잉을 망라하는 작가의 다채로운 작업을 폭넓게 소개한다. ‘21세기 가장 선구적인 작가’ 중 하나로 평가받는 아니쉬 카푸어는 작년 베니스에서 혁신적 작업세계의 새로운 지 평을 펼쳐 보이는 대규모 전시를 통해 자신의 위치를 다시 한번 증명한 바 있다. 특히 베니스 전시에서는 카푸어 가 근래 집중해오고 있는 매체인 회화를 그의 대표적인 검정 작품들과 병치해 선보임으로써 시각예술의 물리적, 개념적 한계를 꾸준히 시험하는 작가의 능력을 강조했다. 카푸어에게 그 검정 작품군은 회화의 작동 방식에 대한 고찰과도 교차되는데, 작가에게 회화란 “무언가를 가시화하는 방식에 대한 역사인 반면, 나는 그와 정반대의 일, 즉 무언가를 어떻게 사라지게 만들 수 있을 것인가에 천착했던 것이다.”

 이번 개인전에서도 작가는 회화와 조각에 대한 이 같은 접근법으로 전시를 꾸리는데, 서울점 K1에서 K3에 이르기 까지 각기 다른 성격의 건축 공간을 활용, 작품들 간의 새로운 대화를 제안하며 자신의 작업 전반에 걸쳐 강조되 는 ‘신체’에 대한 집중력을 피력한다. 다채로운 재료로써 다양한 모양새의 추상적 제스처를 소개하는 본 전시는 궁 극적으로 생(生)의 숭고한 격렬함, 즉 아니쉬 카푸어의 형식 언어를 구축하는 핵심 자원인 생의 맹렬한 숭고미를 일관되게 읊조린다. K3에는 네 점의 거대한 조각이 설치된다. 특정 유형으로 범주화되는 것을 거부하는 이 무거운 덩어리들은 지질학 적 조직을 연상시킴과 동시에 해부학적 내장의 모양새에 기대기도 한다. 카푸어를 대표하는 색채인 진한 빨강과 검정을 입은 조각 작품들 중 특히 두 점은 〈그림자(Shadow)〉와 〈섭취(Ingest)〉라는 제목을 통해 작업의 맥락과 영감의 원천을 넌지시 가리키기도 한다. 한편 K2에서는 전시 전반에 펼쳐지는 작가의 문법을 한데 농축해 놓은 회화 작품들이 소개된다. 시각적으로 강렬 하고 폭발적으로 표현주의적인 이 회화 작품군은 유화, 섬유유리 및 실리콘으로 제작돼 날것의 상태를 구현하며, 비단 유혈이 낭자한 내장을 연상시킬 뿐 아니라 존재의 개화를 암시하고자 한다. 이처럼 물감이 캔버스 위에 흩 뿌려진 듯한 모양새의 회화 안에서 우리는 마치 엄청난 무력에 의해 그 내부와 외부의 경계가 흐려진 물질의 존 재를 감각하며 신체의 다공성 경계에 대한 작가의 지속되는 관심을 엿보게 된다.

 이와 같은 주제는 K1 바깥쪽 전시 공간에 설치된 과슈 작품을 통해 다소 절제된 방식으로 고찰된다. 회화에 비해 작은 크기로 제작되는 이 종이 작품들은 캔버스 위에서와 마찬가지의 시각적 혼돈 안에 문 내지는 창문을 암시하 는 어떤 공(空)의 영역을 묘사한다. 창에 대한 기하학적 환영은 작가가 조각 및 회화 작업에서도 즐겨 사용하는 장 치로, 보는 이로 하여금 자신을 작품 안에 투영시켜 자신이 놓인 환경과 대면하는 신체의 불안정성을 인지할 수 밖에 없도록 만든다. 작가는 K1의 안쪽 전시장에 놓인 검정 작품들을 통해서도 비슷한 현상을 꾀한다. 카푸어를 대표하는 검정으로 염 색된, 뒤틀어진 기하학의 이 오브제들은 관람자의 시각을 어지럽히며 그 내부의 공간으로 끌어당긴다. 해당 검정 은 빛 뿐만 아니라 모든 소리마저 흡수시키는데, 이로써 각 오브제의 표면, 그 피부에 조용히 안착해 일체화된다. 카푸어의 검정 작품 연작은 극도로 차분하지만, 이 독특한 매체가 구현하는 형태의 흡수력은 회화의 날 선 빨강 의 이미지들 못지 않게 잔혹하기도 하다. 오브제의 경계선이 우리 눈 앞에서 용해됨에 따라 서서히 피부가 없는, 껍질이 없는 물질이 되고, 이는 극히 원초적이고도 불안정한 감각을 촉발한다. 이처럼 현존과 부재를 동시에 구현 하는 것이야 말로 카푸어 작업의 핵심 주제라 할 수 있다. 자신이 다루는 물질의 한계에 도전함으로써 카푸어는 그 물질의 창출 및 파괴를 동시에 고찰하고, 나아가 관람자의 신체적 감각을 시험해 지극히 자극적이고도 시적인 ‘사이(in-between)의’ 상태를 포착해낸다.

The idea is to question what is physical and what is transcendental. This is essentially what all artists do—it’s the principal and methodological goal of art.

Kukje Gallery is pleased to present a solo exhibition of Anish Kapoor from August 30 to October 22, 2023. The exhibition will be installed in all three buildings (K1, K2, K3) at Kukje Gallery's Seoul location, providing a comprehensive selection of Kapoor’s diverse practice, including sculptures, paintings, and drawings. Widely acknowledged as one of the most visionary artists of the 21st century, Anish Kapoor’s major exhibition in Venice last year introduced another chapter in his innovative practice, proving yet again this seminal artist's critical importance and creative genius. In Venice, Kapoor’s new paintings—a part of his practice that has been of increasing focus in recent years—were exhibited alongside his iconic black works, a juxtaposition that highlighted the artist's capacity to push both the material and conceptual limits of visual art. For Kapoor, the black works intersect with the history of how paintings function, as for the artist, "painting is the history of how things are made to appear. I’ve set out to do the exact opposite. How do you make things disappear?"

This approach to presenting paintings and sculptures together will also frame the exhibition in Seoul, where the artist will utilize the three distinctive architectural spaces at Kukje Gallery, introducing new dialogues and propositions between these works that emphasize the centrality of the body across the diversity of his practice. While containing a vast array of materials and abstract gestures, the entire show hums with the sublime intensity of life itself, an energy and formal command that Anish Kapoor is synonymous with and that emanates across all the works on view. Beginning in K3, Kapoor will install four monolithic sculptures that defy categorization. Delicate gauze barely contains the bulging material mass that makes up these heaving objects, which suggest both geological formation and visceral anatomical form. Pigmented in the dense red and black that Kapoor is famous for, two titles of the works contain suggestive allusions to their inspiration: Shadow and Ingest. In K2, a selection of Kapoor’s oil paintings distills the vocabularies and mediums that infuse the show. Visually powerful and explosively expressionistic, the abstract works rendered in oil paint, fibreglass, and silicone, present raw embodied states of being that suggest both bloody guts and efflorescence. In these works, the paint seems to be strewn across the canvas, and we sense in these depictions physical matter that has been subject to extreme forces—blurring the inside and the outside and suggesting Kapoor's ongoing concern with the porous boundaries of the body.

These themes are continued in more discreet ways in the artist’s gouache works on display in the front window gallery of K1. Smaller in scale, many of these works on paper contain a void within the visual chaos suggesting a door or window. This geometric illusion of a porthole is something Kapoor often utilizes in both his sculpture and paintings, compelling the viewer to project into the work and insisting on the instability of  the body vis-a-vis its environment. A similar phenomenon is engaged within the black works in the rear gallery. Pigmented in Kapoor's signature black, the distorted geometry of these objects embodies a psychological space pulling the viewer into their vertiginous aura. The black pigment absorbs not only light but also sound, as they sit silently, enclosed in their skin. Despite the deep calm Kapoor's black works convey, the absorption of form that this unique material manifests is no less brutal than the raw red imagery of the paintings. As the edges of the object dissolve before our eyes, it becomes a skinless object, evoking a primal and destabilizing effect. This capacity of the object to contain both absence and presence is a leitmotif of Kapoor’s practice. Through pushing the limits of the material he works with, Kapoor explores the creation and disruption of the object and by extension challenges the viewer's sense of bodily autonomy, capturing a state of "in-betweenness" that is evocative and deeply poetic.

PLACE

 (03053) 서울특별시 종로구 삼청로 54

작가: 아니쉬카푸어(b.1954)

학력: Chelsea School of Art, London, UK

개인전

Anish Kapoor, Kukje Gallery, Seoul, Korea(2023)
Anish Kapoor, Regen Projects, Los Angeles, USA(2023)
Anish Kapoor, Centre of Polish Sculpture, Oronsko, Poland(2022)
Anish Kapoor: Sculptures, Skulpturenpark Waldfrieden, Wuppertal, Germany (2022)
Anish Kapoor, Lisson Gallery, Beijing, China (2022)
Anish Kapoor: Selected works 2015-2022, SCAI Bathhouse, Tokyo, Japan(2022)  
Anish Kapoor, Gallerie dell'Accademia and Palazzo Manfrin, Venice, Italy(2022)
Anish Kapoor: Painting, Modern Art Oxford, Oxford, UK(2021)
Anish Kapoor, Lisson Gallery, London, UK(2021)
Anish Kapoor, Shenzhen Museum of Contemporary Art and Urban Planning, Shenzhen, China (2021)   
Anish Kapoor: Howl, Pinakothek der Moderne, Munich, Germany(2020)
Anish Kapoor, Houghton Hall, Norfolk, UK(2020)
Into Yourself, Fall, Waddesdon Manor, Buckinghamshire, UK(2020)  
Anish Kapoor, Regen Projects, Los Angeles, US(2020) 외 다수

[출처]