박서보 작가의 유작전이 연장되어 조현화랑 달맞이와 해운대점에서 8월 31일부터 12월 3일까지 열린다. 1991년 박서보 작가의 첫 개인전으로 인연을 맺고, 이후 총 14번의 전시를 기획해온 조현화랑은 이번 개인전을 통해 아직까지 국내에 공개되지 않은 박서보 작가의 신작 묘법을 선보인다. 박서보의 묘법은 1970년대 초기의 연필 묘법, 1980년대 중기 묘법, 2000년대 이후의 후기 색채 묘법으로 구분된다. 이번 전시는 2020년대를 기점으로 제작되기 시작한 후기 연필 묘법을 국내 최초로 소개하는 뜻깊은 자리로, 총 12점의 후기 연필묘법이 공개된다. 또한, 올해 제작 및 발표된 디지털로 묘법을 재해석한 비디오 작품이 1000호에 달하는 연보라 묘법 대작과 더불어 몰입감 있는 관객 참여형 설치로 소개된다. 이외에도 화려한 색감이 돋보이는 세라믹 묘법 6점, 판화 작품 15점을 포함하여 총 35점을 선보이는 이번 전시는 생의 마지막 날까지 끊이지 않는 탐구와 실험 정신으로 묘법 시리즈를 지속해온 박서보 작가의 수행의 결과물을 목격하게 한다.
조현화랑 달맞이의 돌계단을 올라 커다란 철문을 열면 평소 전시실과는 사뭇 다른 어두운 공간을 마주하게 된다. 넓이 5,50m, 높이 2,50m의 대형 스크린에 비치는 화면은 박서보 작가의 묘법 중 연보라의 강렬한 색감과 입체감 있는 질감을 초고해상도로 확대하여 움직임을 부여한 디지털 작품이다. 아주 작은 지점에서 시작되어 전체로 확장되면서, 평소 눈으로 관찰할 수 없었던 세밀한 디테일을 느끼게 하는 이 작품은 박서보 작가의 손자 박지환이 제작한 것으로, 아날로그 방식에 익숙하던 작가가 디지털 문명을 대면하며 느낀 공포심에 대한 돌파구로 사용하기 시작했던 색채가 다음 세대를 통해 디지털 화면으로 재해석된 의미가 크다.
전시장을 가득 채우는 연보라의 오묘한 빛을 따라 끝없이 이어질 것 같은 환영 속을 거니는 끝에, 디지털 작품의 원형이 비좁은 전시실에서 발견된다. 1000호에 달하는 박서보의 연보라 묘법은 2010년에 제작된 것으로, 캔버스 표면에 올려져 일정한 간격으로 그어내는 과정에서 눌리고 밀리면서 선과 색을 안으로 흡수하는 한지의 물성이 연보라색과 어우러져 비움을 통한 채움의 정신성을 묵묵히 발현한다. 손의 흔적을 덮는 규칙적인 선이 만들어내는 절제에 담긴 색감이 자연의 자기 치유 능력을 발휘하듯 소멸하고 소생하길 반복하며 기운을 흡수하고 또 발산한다.
전시는 화랑 내부의 계단을 통해 2층에서 이어진다. 고요한 푸른 색감으로 칠해진 커다란 전시 공간에는 박서보가 1986년 중단하였다가 최근 작업에 재개한 신작 연필 묘법 12점이 나란히 진열되어 있다. 밝은 파스텔 톤의 색감 위로 반복과 평행의 리듬감 있는 신체성을 드러내는 연필묘법에 대해 박서보 작가는 “무목적성으로 무한반복하며 나를 비우는 작업”이라고 설명한다. 캔버스 표면에 반복적으로 선을 긋는 연필 묘법은 세살난 아들이 글씨 연습을 하면서 지우고 다시 쓰기를 반복하다가 결국 연필로 빗금을 치는 모습을 보고 체념을 떠올리면서 시작되었다.
손에 한지가 닿을 때 그 방향을 바꿔서 진행하는 과정은, 묘법을 매일같이 그려오며 신체와 같이 익숙해 졌기에 비로소 가능한 작업이다. 자연의 빛을 정신화한 파스텔 톤의 작품엔 알 수 없는 위로와 안정감이 깃든다. 유화물감이 밀리고 한지가 찢기는 물성에 세밀하게 반응하는 거장의 자유로운 손길이 경직된 모든 것을 극복한 온화하고 따스한 파스텔 톤의 색채와 더불어 존재 이전의 무한으로 뻗어나간다. 전쟁을 겪고 아버지가 돌아가시면서 모든 것을 스스로 해내야 했던 젊은 시절의 좌절을 돌파해낸 의지로, 불규칙하고 거친 자연에서 광활한 시야로 자정 능력을 길어낸 박서보에게 자연과 화폭은 물리적인 대상인 동시에 은유이다. 오랜 시간의 수련을 한치의 오차도 없이 화폭에 담아 조율하는 박서보의 묘법은 시간의 흐름에 따라 끊임 없이 변화하며 확장되는 힘을 느끼게 한다.
그동안 공개되지 않았던 신작을 선보이는 이번 전시는 후기 연필 묘법 시리즈와 디지털 묘법 등 박서보 작가의 묘법을 다양한 물성을 통해 입체적으로 조망할 수 있는 희귀한 기회이다. 국내 최초로 공개되는 디지털 묘법은 전시장에서 뿐만 아니라 프리즈와 키아프 아트 페어 기간을 포함한 약 한달 동안 서울 코엑스 SMTOWN 건물 외벽에 위치한 국내 최대 규모의 커브드 LED 전광판에 송출할 예정으로, 초고화질 화면에서 나오는 묘법 시리즈를 도심 한복판에서 생생하게 만나게 된다. 조현화랑에서 열리는 이번 전시를 통해 70여년이 넘게 진행되었던 화업 동안 끊이지 않는 탐구와 실험 정신으로 묘법 시리즈를 지속해 왔던 박서보의 지치지 않는 수행의 결과물을 감상할 수 있는 특별한 기회가 될 것으로 기대된다.
Park Seobo's retrospective exhibition has been extended and will run from August 31 to December 3 at JoHyun Gallery's Dalmaji and Haeundae locations. Jo Hyun Gallery, which organized the artist's first solo exhibition in 1991 and has organized a total of 14 exhibitions since then, will present new works by Park that have not yet been shown in Korea. Park's work is divided into three periods: pencil work from the early 1970s, mid-century work from the 1980s, and late color work from the 2000s and beyond. This exhibition marks the first time in Korea that the artist's late pencil techniques, which began to be produced in the 2020s, will be introduced, and a total of 12 late pencil techniques will be on display. In addition, digitally reinterpreted video works created and published this year will be introduced as an immersive audience participation installation alongside the 1,000-piece mauve masterpiece. With a total of 35 works, including six ceramic works and 15 prints, all of which stand out for their brilliant colors, the exhibition allows visitors to witness the results of Park's practice, as he continued his series with a spirit of constant exploration and experimentation until the last day of his life.
Upon climbing the stone stairs of the JoHyun Gallery and opening the large iron gate, visitors will find themselves in a dark space that is quite different from the usual exhibition hall. Projected on a large screen measuring 5.50 meters wide and 2.50 meters high, the screen is a digital work that enlarges the intense colors and three-dimensional textures of Yeonbora, one of Park's paintings, in ultra-high resolution and gives them movement. Park's grandson, Park Ji-hwan, created the work, which starts from a very small point and expands to the whole, making the viewer feel the fine details that cannot be observed with the naked eye, and it is significant that the colors that the artist, who was used to analog methods, began to use as a breakthrough against the fear he felt when facing digital civilization, have been reinterpreted on a digital screen through the next generation.
After wandering through the seemingly endless illusion of the lotus lights that fill the exhibition hall, the prototype of the digital work is found in the cramped exhibition room. Park's mauve paintings, numbering 1,000, were created in 2010, and the physicality of hanji, which absorbs lines and colors as it is pressed and pushed against the surface of the canvas during the process of drawing at regular intervals, combines with the mauve color to silently express the spirituality of filling through emptying. The restrained colors created by the regular lines covering the traces of the hand absorb and radiate energy as they are repeatedly extinguished and revived, like the self-healing power of nature.
The exhibition is accessed from the second floor via a staircase inside the gallery. In a large exhibition space painted in a serene blue hue, 12 of Park's new pencil drawings, which he stopped working on in 1986, are displayed side by side. The pencil drawings, which reveal a rhythmic physicality of repetition and parallelism over light pastel colors, are described by Park as "a work that empties me by repeating infinitely with an aimlessness." The pencil technique of repeatedly drawing lines on the surface of the canvas began when Park was frustrated by watching her three-year-old son practicing his handwriting, erasing and rewriting over and over again, and eventually making combinations with a pencil.
The process of changing the direction of the pencil as it touches the paper in her hand is only possible because she has been practicing the technique every day and has gotten used to it like her body. The pastel-toned work, which spiritualizes the light of nature, gives me an unknown sense of comfort and security. The master's free hand, which responds delicately to the materiality of oil paint being pushed and Hanji being torn, stretches into the infinity of pre-existence with the gentle and warm pastel colors that overcome all rigidity. Nature and the canvas are both physical objects and metaphors for Park, whose willpower overcame the frustrations of his youth, when he had to do everything on his own after the war and the death of his father, and who developed his self-discipline from an irregular and rough nature to a vast vision. Park's technique, which involves long hours of practice, and his ability to manipulate the canvas without a single error, gives us a sense of the ever-changing and expanding power of time.
This exhibition, featuring previously unseen works, is a rare opportunity to view Park's technique in three dimensions through various materials, including his late pencil technique series and digital technique. The digital drawings, which will be shown for the first time in Korea, will be broadcast on the country's largest curved LED display located on the exterior wall of the SMTOWN building at COEX in Seoul for about a month, including during the Frieze and Kiaf art fairs, allowing viewers to experience the series of drawings on an ultra-high-definition screen in the heart of the city. The exhibition at JoHyun Gallery is expected to provide a unique opportunity to view the results of Park's tireless practice, as he has continued his Ecriture series with a spirit of exploration and experimentation over the course of his more than 70-year career.
에이치아트이엔티가 <현대 미술 거장 6 인 ATO; 아름다운 선물 展>을 2023년 9월 22일 부터 10월 15일까지 여의도 더현대 서울 6 층 ALT.1 갤러리에서 개최한다. 해당 전시는 박서보, 이우환, 박석원, 김강용, 강형구, 이이남 등 한국 미술의 위상을 높인 거장들의 작품을 130여 점을 선보이며, 300평의 대형전시공간에거장들을 소개하는 영상과 함께 초기작부터 신작까지 참여 작가별 별도의 공간을 구성하였다.
박서보는 국내 추상미술을 대표하는 ‘단색화의 거장’으로, 대표작 ‘묘법’ 시리즈를 통해 단색화 고유의 특성과 개성을 국제 미술계에 소개했다. 이우환 역시 국내 ‘추상미술의 선구자’로 ‘점으로부터’ ‘선으로부터’ 등의 작품이 유명하며 국내 생존 작가 중 작품 가격이 가장 높은 작가로 꼽히고 있다. ‘적의’ 시리즈로 유명한 원로 조각가 박석원은 한국 현대미술사에 한 획을 그었다는 평가를 받는다. 돌, 쇠, 나무 등 자연을 근원으로 하는 재료의 순수한 물성에 축적의 기법을 더한 작품들을 선보여 왔다. ‘벽돌화가’ 김강용은 일찍부터 벽돌 시리즈 작업을 해왔다. 벽돌을 하나의 그리드로 여겨 세밀하게 묘사함으로써 그것을 다시 인식하고, 숙고하게 만든다. 서양화의 거장 강형구는 극사실주의 화법을 구사한다. 빈센트 반 고흐, 앤디 워홀, 마릴린 먼로, 오드리 헵번까지 한 시대의 아이콘을 사진보다 더 생생하게 작품에 담아왔다. 이이남은 포스트 백남준 작가로 불리며 미디어 아트 분야에서 세계적인 거장으로 인정받았다. 디지털 기술과 동서양 고전을 절묘하게 접목시킨 미디어 아트로 현대 미술계에 새로운 패러다임을 제시한다.
특히 이번 전시는 데뷔 30주년을 맞은 배우 김희선이 아트콘텐츠 디렉터로 참여하는 첫번째 프로젝트로 직접 작가들을 섭외해 기획했다. 김희선 디렉터는 “30 년 이란 시간을 많은 분들에게 큰 사랑을 받으며 지금까지 올 수 있었고, 앞으로도 배우 김희선으로서 더욱 최선을 다 할 수 있는 원동력이 된 것 같다" 며, "이번 전시는 여러가지 의미가 있지만 특히 그 사랑을 주신 분들에게 제가 드리는 감사의 선물과도 같은 전시라며 많은 분들이 이번 전시에 함께 하시고 많이 행복하셨으면 좋겠다" 는 말을 전했다.
ATO, 6 Masters of Contemporary Art; A Beautiful Gift will be held from September 22 to October 15, 2023 at ALT.1 Gallery on the 6th floor of The Hyundai Seoul in Yeouido. The exhibition presents 130 works by masters who have raised the profile of Korean art, including Park Seobo, Lee Woo-hwan, Park Seok-won, Kim Kang-yong, Kang Hyung-gu, and Lee Yi-nam, and organizes separate spaces for each participating artist, from early works to new works, along with videos introducing the masters in a large exhibition space of 1000 square meters.
Park Seobo is a 'master of monochromatic painting' representing Korean abstract art, and introduced the unique characteristics and personality of monochromatic painting to the international art world through his representative work, 'Myohyeop' series. Lee Woo-hwan is also a Korean 'pioneer of abstract art' whose works such as 'From a Point' and 'From a Line' are famous, and whose works are considered to be the most expensive among living Korean artists. Park Seok-won, an elderly sculptor known for his 'jeuckui' series, is considered to have made a mark on Korean contemporary art history. His works combine the pure physicality of natural materials such as stone, steel, and wood with the technique of accumulation. Kim Kang-yong, a brick painter, has been working on brick series since early on. He considers bricks as a grid and depicts them in detail, making us recognize and ponder them again. Kang Hyung-gu, a master of Western painting, uses an ultra-realistic style. From Vincent Van Gogh to Andy Warhol, Marilyn Monroe to Audrey Hepburn, he has captured the icons of an era more vividly than in photographs. Lee has been called the post-Baek Nam June and is recognized as a global master of media art. His media art, which exquisitely combines digital technology and Eastern and Western classics, presents a new paradigm in the contemporary art world.
In particular, this exhibition is the first project in which actress Kim Hee sun, who is celebrating her 30th anniversary, participates as the art content director and has personally selected and organized the artists. Director Kim Hee-sun said, "I have been able to spend 30 years receiving great love from many people, and I feel that it has become a driving force for me to do my best as an actress." "This exhibition has many meanings, but in particular, it is like a gift of gratitude from me to those who have given me love, and I hope that many people will join me in this exhibition and be happy," she said.
